La musica nel cinema: le migliori colonne sonore anni ’50

Dopo anni di musicisti d’importazione, finalmente all’inizio degli anni ’50 iniziarono a venire fuori giovani musicisti, direttori d’orchestra e compositori americani che lavoravano per gli studios. Ragazzi che potevano trasferire nelle colonne sonore una solida preparazione classica ma anche un’ottima cultura jazz. Questo era un grosso punto a favore perché lo sviluppo del jazz, ma anche dello swing e del bebop, creò una nuova cultura musicale popolare, specialmente nelle nuove generazioni. Aggiungendo a questo la nascita del rock’n’roll alla metà degli anni ’50, si può ben capire come all’epoca ci fosse davvero bisogno di un cambio di rotta.

C’erano anche altri fattori che influenzarono il sound della musica da film negli anni ’50, fattori che riguardano sia il tipo di cinema che veniva prodotto, sia i costumi sociali dell’epoca. Sicuramente uno dei più importanti fu l’arrivo della televisione, insieme alle nuove leggi antitrust che impedivano il monopolio dei teatri da parte delle case produttrici.

Fu un vero e proprio “doppio smacco” che però cambiò radicalmente e per sempre il mondo del cinema e dell’intrattenimento.  Prima di tutto la popolarità della TV significava meno gente nelle sale, causando gravi perdite di guadagno. In secondo piano, con la perdita del monopolio dei teatri, subentrava il problema della distribuzione. Come accennato nell’articolo precedente, prima uno studio aveva il completo controllo dopo la fine della produzione di un film: quando sarebbe uscito, in quali teatri e per quanto tempo sarebbe rimasto in programmazione erano scelte dell’executive team, non importava quanto il film fosse bello o brutto, apprezzato o criticato. Con il nuovo sistema, se un film non è ben accetto dal pubblico, i proprietari delle sale cinematografiche possono rifiutarlo, quindi basta con film (e colonne sonore) prodotti a mo’ di catena di montaggio; in poche parole: più qualità.
Ciò convinse gli addetti al film business ad accordarsi con le reti televisive per la messa in onda di alcuni film, per riempire le casse che si stavano prosciugando. Questo diede nuova vita alla TV, che aumentò di gran lunga i suoi spettatori e i suoi guadagni, cominciando ad inserire piccole interruzioni pubblicitarie nei film in programmazione. Ciò determinò un nuovo passo avanti che in poco tempo fece nascere un business completamente nuovo che includeva anche la produzione di serie tv e show televisivi.

Un grande musicista che all’epoca influenzò questa nuova generazione di compositori fu Aaron Copland. Ciò che lo fece notare a Hollywood fu la sua bravura nel trasferire il dramma in musica. Portò nel mondo della colonna sonora una nuova e fresca sensibilità nell’uso della strumentazione e dell’armonia, una tessitura strumentale molto più soft e asciutta rispetto alle grandi composizioni romantiche del tempo.

Un altro giovane compositore che lasciò il segno a Hollywood fu Alex North. Originario di New York, fu invitato in California dal regista Elia Kazan, col compito di comporre la colonna sonora del musical Un tram che si chiama Desiderio, del 1951. Per la prima volta una nuova musica cruda, tagliente, dal suono moderno, con molti elementi jazz e dissonanze faceva da accompagnamento a un film per le masse.

Poi, nel 1953, Kazan diede l’opportunità ad un altro giovane compositore: Leonard Rosenman. Il film era La valle dell’Eden, interpretato da James Dean. Un’altra composizione tagliente e dissonante per accompagnare un film di successo con una grande star, non fece altro che rendere questo sound popolare e apprezzato.

Ma oltre a questi nuovi film che rappresentavano un’innovazione sia dal punto di vista prettamente cinematografico che musicale, a quei tempi venivano prodotti anche grandi colossal basati su storie bibliche. Film come Ben-Hur, I dieci comandamenti, El Cid e molti altri richiedevano musiche che avevano più a che fare col vecchio stile simil-romantico. Alcuni compositori, come Elmer Bernstein, avevano la grande abilità di scrivere sia composizioni taglienti e moderne (L’uomo dal braccio d’oro) che, contemporaneamente, di saper spaziare nel vecchio stile con musiche dal sapore più epico, perfette per i grandi colossal e per i film d’avventura.